Ulasan Filem : Resident Evil – Apocalypse (2004)

Oleh Mahhass

Sebelum saya dan Fadz melangkah masuk ke panggung petang tadi, kotak minda kami sudahpun diprogram rapi – (kami faham filem kedua ini dikutuk habis-habisan oleh pengkritik barat -mereka dah tonton dahulu seminggu dua lepas – jadi bukan salah kita, salahkan pengusaha wayang Malaysia kenapa lambat). Jadi kami menontonnya kerana ini adalah antara genre kegilaan kami... (oo yes pastinya sebab zombie).

Kami juga sepakat untuk mengatakan yang filem pertamanya adalah antara genre horror yang terbaik tahun 2002. Jadi itu amat-amat mempengaruhi kami untuk menonton sambungannya.

Kita semua tahu bahawa kerja mengadaptasi sesebuah video-game ke layar lebar sememangnya diakui bukan tugas yang mudah. Seperkara penting yang setidak-tidaknya mesti ada ialah plot asalnya. Tidak kurang juga watak-watak yang terkandung di dalamnya.

Walaubagaimanapun, struktur naratif tidak semestinya disusun selaras ataupun dipindahkan bulat-bulat ke dalam filem. Kenapa? Kerana apabila dibuat sedemikian rupa, maka hasilnya akan menjadi seperti sekuel Resident Evil ini – menjadi agak luar dari jangkauan logikal minda, hambar walaupun sarat dengan non-stop action, karakter-karakternya menjadi pelik malah segalanya tampak kartunistik, slapstik ataupun istilah saya yang terbaru – terlalu CGIstik... (boleh gitu?)

Barangkali sekuel ini dibikin khas bagi tidak menghampakan pengikut atau penggemar video-gamenya, yang dahulunya bising-bising, kutuk-kutuk oleh sebab filem pertamanya agak menyimpang dari plot originalnya. Tapi tak apalah... kerana saya sendiri pun pernah merasai betapa kecewanya menonton filem House of The Dead sebelum ini (yang juga diadaptasi dari video-game) – itu tidak termasuk Tomb Raider dan juga Mortal Kombat. Bagaimanapun, Resident Evil 1 boleh sahaja berdiri dengan filemnya sekalipun tidak berlandaskan 100% video-game.

Di tangan pengarah baru Alexander Witt, adalah tidak wajar jika saya meletakkan segala kelemahan di bahunya kerana filem ini masih ditulis oleh pengarah filem pertamanya, Paul Anderson. Sudah lumrah tugas seorang pengarah yang tugasnya hanya melayarkan apa yang sudah dinaskhahkan.

Pun begitu, seperti yang saya katakan tadi, barangkali masalah plot asal yang sebenarnya membelenggui mereka walaupun kebanyakan adegan dalam filem ini sarat dengan homage ke atas trilogi "Dead" (walaupun tidaklah se'subtle') George Romero terutamanya Dawn & Day of The Dead - (tidak lupa juga Zack Snyder), Lucio Fulci (Zombie 2 & City of The Living Dead - ketika adegan mayat bangkit dari kubur – pelik juga memikirkan bagaimana mayat-mayat dalam kubur boleh dijangkiti T-Virus tersebut).

Tidak lupa juga Boyle untuk 28 Days Later – sewaktu adegan suspens di dalam gereja yang akhirnya di'rosak'kan oleh aksi Alice yang muncul 'terbang' secara tiba-tiba dengan motornya melalui tingkap lalu membunuh makhluk yang lidahnya sepanjang anaconda.


Antara watak-watak lain yang tidak dikembangkan dengan baik

Barangkali itu sahajalah yang berupaya membangkitkan nostalgia saya sewaktu menonton filem ini. Lain-lain, saya hanya layan seribu satu paparan shock serta aksi-aksinya kerana segala elemen horror seolah-olah hilang tatkala Nemesis muncul di pertengahannya.

Sayang sekali kerana ia dibiarkan hilang malah tidak lagi dirasai sehinggalah ke akhirnya. Maka yang tinggal hanyalah klise tentang perbalahan serta kejahatan manusiawi. Bukankah kita sudah mulai bosan dengan itu semua?

Ulasan Filem : SUPER SIZE ME (2004)

Oleh Mahhass

Fast-food barangkali boleh dianggap sebagai budaya pemakanan baru Malaysia bermula sejak akhir dekad 80an. Bukan setakat di kota, bahkan ia kini sudah mula dilihat menular ke sub-bandar seluruh Malaysia. Satu ketika dahulu, ia dianggap sebagai 'makanan mewah' atau makanan orang kota, tetapi anggapan sedemikian tidak lagi relevan di masa sekarang. Buktinya, kita boleh lihat percambahan francais-francais syarikat gergasi ini dengan begitu pesat sekali di luar bandar.

Adalah tidak menjadi satu kemustahilan jika di masa 20 tahun akan datang, fast-food (McDonalds misalnya) akan menjadi sebahagian menu seharian kita - sebagai makanan asasi masyarakat menggantikan nasi dan sebagainya andainya generasi baru (anak-anak) 'dididik' dari masa sekarang. Tidak mustahil juga jika menu nasi akan diperlekehkan oleh generasi ini suatu hari nanti. Maka timbul persoalan tentang sejauh mana budaya fast-food ini memberi kesan terhadap kita khususnya dari aspek kesihatan. Adakah budaya pemakanan ini sihat lagi menyihatkan?

Lantaran itu seorang warga amerika, Morgan Spurlock, telah berminat untuk membikin sebuah filem dokumentari bagi menyingkap jawapan kepada persoalan ini. Beliau melakukan eksperimen terhadap dirinya sendiri, iaitu menjadikan hanya makanan segera McDonalds sebagai menu hariannya tanpa menyentuh sebarang makanan lain. Eksperimen yang bercorak RealiTV ini mengambil masa selama 30 hari. Meskipun hanya 30 hari, namun kesannya benar-benar menakutkan!

Bagi menyokong segala usahanya, beliau mendapatkan khidmat beberapa orang pakar nutrisionis, kardiologis serta pakar-pakar lain yang terlibat secara tidak langsung, sebagai bukti sokongan eksperimen yang dijalankannya.

Filem dokurealiti terbitan produksi indie di bawah arahan Morgan Spurlock yang juga selaku bahan utama eksperimen ini berjaya menggegarkan syarikat gergasi McDonalds. Lihat saja bagaimana drastiknya perubahan kesihatannya sejurus selepas memasuki minggu pertama lagi. Selain peningkatan berat badan, kadar kolestrol juga menunjukkannya berada di tahap bahaya sehinggakan beliau dinasihatkan agar tidak meneruskan kerja yang dianggap gila tersebut.

Jika sebelum ini, Michael Moore telah berjaya mendedahkan teori konspirasi politikal dalam Fahrenheit 9/11 serta realiti tabiat buruk masyarakat amerika dalam Bowling For Columbine. Pun begitu, impak serangan yang ditimbulkan barangkali hanya ke atas Amerika, kehangatannya tidak terlalu di rasai di luar Amerika.

Tidak kurang juga dengan program RealiTV yang bersilih-ganti di kaca televisyen – yang memperjuangkan siapa bakal juara, siapa yang patut dikeluarkan, juga menonton sekumpulan manusia di sebuah pulau berbalah-balahan, yang lebih teruk lagi apabila melihat pesertanya menangis kita pun turut sama menangis. Itu semua hanya sekadar hiburan, non-educational malah tidak mampu merubah kehidupan penontonnya (barangkali mengubah dari segi kewangan).

Namun, Super Size Me dilihat begitu berbeza sekali kerana ia bukan setakat dirasai, malah sebuah satira yang menguja lagi menggetarkan. Ia sarat dengan ilmu (seolah-olah menonton saluran Discovery Channel) malah tidak mustahil untuk merubah persepsi masyarakat kita terhadap budaya fast-food ini. Ia juga boleh dinilai sebagai sebuah pendistorsian budaya yang benar-benar berkesan.

Dan saya percaya, dokurealiti ini pasti akan menjadi igauan ngeri pemilik syarikat gergasi McDonalds serta yang seangkatannya di Malaysia. Maka benarlah kata orang bahawa realiti sememangnya pahit.


Morgan Spurlock melakukannya 3 kali sehari 30 hari berturut-turut. Sanggupkah kita?

Nota : Filem ini telahpun menggondol anugerah Sutradara Terbaik dalam Sundance Film Festival 2004 serta memasuki beberapa festival filem antarabangsa.

Ulasan Filem : Cinema Paradiso (1989)

Oleh Mahhass

Asalnya bangunan itu, meskipun usang pada zahirnya, namun ia tesergam megah di tengah-tengah komuniti masyarakat sekitarnya. Ia menjadi satu-satunya mata punca hiburan penduduknya, tanpa mengira tua muda, asal keturunan, pangkat atau darjat, yang berada mahupun yang daif.

Di sana, adakalanya kedengaran mereka ketawa, gema sorak-sorai riuh rendah, adakalanya mereka naik berang lantas mengamuk dan adakalanya mereka bersedih - menangis semahu-mahunya tanpa mempedulikan sesiapa jua.

Ia juga, telah menjadi sebati dalam kehidupan, malah kebanggaan masyarakatnya. Sehinggalah pada suatu malam yang penuh celaka, mengecewakan mereka untuk terus berhibur lagi kerana bangunan itu hangus dijilat api. Namun akhirnya ia dibangunkan semula, lantaran kembali menceriakan mereka.

Suasana yang saya gambarkan itu sebenarnya merupakan sebuah panggung wayang yang diberi nama "Cinema Paradiso". Ia menjadi tempat yang menjadi simbol keagungan sebuah ikatan persahabatan di antara Salvatore dan Alfredo serta cinta mereka terhadap sinema.

Kisah ini dilayarkan secara imbas kembali, di saat Salvatore (atau Toto - nama gelarannya sejak kecil) sudahpun berjaya sebagai pembikin filem terkenal, setelah pergi membawa diri 30 tahun meninggalkan tempat di mana beliau mula mengenali keunggulan sinema. Berita kematian Alfredo mengundang beliau semula ke sana sambil kita menyelami nostalgia bermula saat beliau masih kecil hingga mula mengenali alam dewasa.

Entah berapa kali saya menangis sewaktu menonton filem ini. Barangkali kerana kekuatan hubungan sentimentalis yang terjalin di antara seorang lelaki tua (Alfredo) dengan Toto, seorang budak yang sangat menggemari filem (sehinggakan sanggup menggunakan wang ibunya yang sepatutnya dibeli susu, tetapi dibelinya tiket wayang!) itu menjadikannya menyentuh sekaligus menceriakan.

Sewaktu melangkah ke alam remaja, Salvatore telah jatuh hati dengan seorang gadis bernama Elena. Kisah cinta yang digarap penuh suka-duka ini sebenarnya melengkapkan lagi sebuah naskhah hebat karya penulis/pengarah Giuseppe Tornatore ini. Seawal perkenalannya digambarkan penuh romantis – hampir saban malam Salvatore menunggu agar Elena membuka jendela kamarnya, bagi menandakan cintanya diterima. Meskipun, akhirnya diterima, namun percintaan mereka menemui jalan buntu berikutan tentangan dari keluarga Elena.


Saat ceria mereka berdua tatkala projektor dipancarkan ke luar panggung

Pun begitu, kekuatan filem ini bukanlah tertunjang pada plot cintanya semata-mata. Ia masih tertumpu halus pada kisah sinema serta konflik antara cinta dan kerjayanya sebagai projeksionis. Lebih tragis apabila di akhir filem ini, Salvatore tidak sempat menemui Alfredo buat kali terakhir – hanya sempat berada di upacara pengkebumiannya. Bagaimanapun, sebelum pemergiannya, beliau ada meninggalkan sesuatu buat Salvatore – iaitu segulung filem yang mengandungi paparan "Screen Kiss" yang sebelum ini telah dieditkan beliau.

Ia satu peninggalan yang amat menyentuh lagi menghibakan. Dan sekali lagi, membuatkan saya menangis di saat akhir filem ini.

SKRIN Rating : 4.5/5
"Wajib-tonton bagi semua peminat filem"

100 Greatest Films - Bonnie & Clyde (1967)

Oleh Mahhass

Saya belum boleh menganggap diri saya "film-buff", selagi saya belum (habis) menonton filem-filem klasik hebat era 50an, 60an, serta 70an atau mana-mana filem yang dianggap para pengkritik sebagai "100 Greatest Films". Dan oleh kerana itu, saya hanya mampu mengaut 57 mata dalam "Film-Buff Test" yang saya cuba-cuba melalui internet baru-baru ini.

Malu untuk saya katakan yang saya baru sahaja menonton filem Bonnie & Clyde (1967). Saya malu kerana filem ini dianggap 'ikon' kepada segala filem yang bertema gangster/jenayah seluruh dunia. Ia juga ditakrifkan sebagai "filem revolusi" atau landmark di saat produksi Hollywood di ambang kemunduran atau kejatuhan. Malah filem ini menjadi "influential film" bagi sub-genre crime/gangster-romantik sehingga kini.

"They’re young...They’re in Love... and they kill people." Itu adalah tagline penuh waja untuk filem ini.

Sebenarnya filem ini, sewaktu awal diputarkan telah mendapat kritikan yang hebat oleh sebahagian besar pengkritik filem waktu itu (bukan sahaja di kalangan mainstream). Memaksa filem ini ditutup awal dengan seribu kontroversi. Agak lama juga sehingga ada di kalangan pengkritik mengakui kesilapan mereka mengkritik filem tersebut. Bagaimanapun, Bonnie & Clyde akhirnya dinominasi dan merangkul dua anugerah di Academy Awards tahun 1968 (dan beberapa anugerah di festival lain).

Berlatarbelakangkan era 1930an, filem ini tampak hebat. Dari skrip, arahan, kostum, set, sinematografi, lokasi, dialog, casting malah semuanya hebat. Memanglah tidak adil untuk saya bandingkan segalanya di masa sekarang, cuma kita perlu bayangkan satu situasi baru yang diwujud dan diketengahkan oleh penulis skrip dan lakonlayarnya iaitu David Newman dan Robert Benton, di bawah arahan Arthur Penn ketika itu – yang menguja. Pastinya ia sebuah revolusi perfileman biarpun pada awalnya rata-rata membenci, akhirnya mereka julang juga. Ini yang sepatutnya berlaku di Malaysia.

Filem ini diinspirasikan dari separa-biografi dua penjenayah Bonnie Parker dan Clyde Farrow. Apa yang menarik, kisah ini dilayarkan bermula saat perkenalan mereka berdua, iaitu ketika Clyde cuba mencuri kereta milik ibu Bonnie. Saat itu digambarkan Bonnie berada dalam kemuncak depresi (telanjang secara fizikal), seolah-olah kebosanan hidup dan ingin mencari sesuatu yang baru dalam hidupnya. Perkenalan beliau dengan Clyde sungguh cantik dan amat menjadi. Dan ini merupakan saat pertemuan yang paling jujur, realis, simplicity, humoristik dan romantis pernah difilemkan.

Begitu juga ketika Bonnie kecewa/merajuk dan lari ke sebuah lading, lantas dikejar Clyde. Perhatikan wide-shot yang digunakan, dan dalam masa yang sama perhatikan juga awan mendung yang berarak (barangkali 'kebetulan') – menggambarkan 'klimaks' depresi kedua-dua antagonis tersebut. Adegan tersebut paling terserlah kecantikannya dan merupakan salah satu 'adegan-paling'-diingati' untuk filem ini.

Antara line menarik : "This here's Miss Bonnie Parker. I'm Clyde Barrow...We rob banks"! Kata-kata jenaka itu sebenarnya sangat serius sekaligus meletakkannya antara line yang seringkali diungkap-sebut oleh anak-anak muda ketika itu.

Bonnie & Clyde sebenarnya merupakan filem satira terhadap sektor kewangan khususnya institusi bank yang dilihat sering membelenggu serta menindas para peminjamnya. Satu adegan yang jelas memberi kutukan besar ialah ketika Clyde menyuruh seorang petani miskin (membawa bersama anak-anaknya meninjau untuk kali terakhir rumah mereka) menembak notis 'rampasan' bank dipasang di luar rumahnya. Adegan tersebut sebenarnya sangat mengharukan.

B & C juga dianggap sebagai filem paling realistik dari sudut keganasan waktu itu. (Sepertimana kita tonton filem-filem getir dan ganas masakini). Saya boleh membayangkan reaksi 'shock' yang dialami penontonnya sewaktu adegan Clyde menembak tepat ke muka salah seorang polis yang cuba mengejar mereka! Ironi kerana kita masih boleh memaafkannya.

Bagaimanapun, sudah menjadi "hukum-cerita" - kedua-dua watak ini berakhir dengan keadilan sosial (Bonnie dan Clyde diperangkap dan ditembak bertalu-talu), namun apa yang menjadikannya istimewa ialah pendistorsian karakter serta perasaan emosi dan empati yang berjaya diwujudkan dalam filem ini. Adegan tragis di saat akhir tersebut berjaya menambat jiwa kita – dan saya percaya barangkali ada insan yang akan menangisi adegan ini.

Seperti yang saya katakan tadi, Bonnie & Clyde semestinya akan kekal sebagai ikon Hollywood, berikutan tercetusnya filem-filem hebat era 70an seperti The French Connection (1971) (juga mengambil Gene Hackman), trilogi Godfather dan seterusnya untuk sinema alaf baru.

Nota : Ucapan terima kasih untuk saudara Fadz, kerana sudi meminjamkan saya filem-filem hebat ini. Selepas ini saya akan cuba coretkan kata hati saya untuk filem The Graduate (1967) pula.

Ulasan Filem : Cronos (1994)

Oleh Mahhass

Kembali ber'horror'. Kali ini bukan sembarangan, kerana filem ini telahpun berjaya membolot 9 anugerah di Mexican Film Awards 1993 (Ariel Awards) – termasuk Filem Terbaik. Bukan itu sahaja, filem ini juga mendapat Critics' Prize (Merc-Benz Awards) di Cannes Film Festival 1993. Ya, Cronos adalah filem horror. Kenapa? Filem horror tak boleh menang award filem terbaik?

Apabila saya sebut nama Guillermo Del Toro, barangkali ramai yang menggeleng tak kenal, lainlah jika saya sebutkan filem-filem seperti Mimic, Devil's Backbone, Blade (2) atau yang terbaru Hellboy. Maka boleh jadi juga di kalangan mainstream, mereka lebih kenal filem berbanding pengarahnya. Malah bukan setakat tak kenal, mereka taknak ambil tahu pun.

Buktinya, apabila saya pernah mengesyorkan rakan saya sendiri untuk menonton filem Sepet yang akan ditayangkan di Singapura nanti. Saya memberitahunya filem itu arahan Yasmin Ahmad. (Sambil menggeleng) dia tanya saya siapa Yasmin Ahmad. Saya jawab yang bikin cerekarama Rabun. Sekali lagi dia geleng tanda tak tahu. Lalu saya jelaskan lagi yang Yasmin Ahmad adalah penulis/pengarah yang bikin iklan-iklan Petronas kat dalam TV tu. Ketika itu barulah terdengar "Oooo..." dari mulutnya seraya tersenyum. "Eh.. dia bikin iklan best-best, kalau bikin filem mesti lagi best kan?" - Saya jawab : "..sebab tu la aku suruh kau pergi S'pore, filem tu takkan ditayang sini." Dia jawab balik : "Pulak dah...?"

Sebenarnya, Guillermo Del Toro (pengarah kelahiran Mexico) ini mula bergiat dalam bidang perfileman sewaktu beliau dalam usia 21 tahun lagi. Sehinggalah beliau berjaya pada usia 29 tahun, sesudah meraih gelaran pengarah terbaik untuk filem Cronos ini. Jadi dalam usia semuda itu, bukan hanya berjaya, malah boleh dikatakan cemerlang khususnya untuk genre tersebut. Bukan mudah untuk membikin filem horror, memenangi anugerah lagilah teramat sukar. Tetapi beliau telah merealisasikannya.

Cronos ialah filem yang berkisarkan tentang 'immortaliti'. Ia juga boleh dianggap sebuah homage kepada filem-filem yang diadaptasi dari karya Bram Stoker : Nosferatu, Blood for Dracula (1974), Dracula (Ford Coppola), Vampire, Van Helsing serta filem-filem vampirisme lain. Meskipun homage, namun beliau masih memberikan sebuah karya 100% asli, tanpa perlu mengaitkan nama Bram Stoker atau mana-mana versi lain (vampire/Dracula) sebelum ini.

Di pembukaannya, Cronos membawa kita kembali pada abad ke 14, iaitu seorang alchemist berbangsa Sepanyol yang mencipta sebuah "alat" kecil sebesar tapak tangan dan berbentuk seperti kumbang berwarna emas. Alat tersebut apabila diletakkan di telapak tangan, akan mengeluarkan jarum kecil seterusnya merembeskan kandungannya. Seterusnya menjadikan pemiliknya 'immortaliti' atau tidak akan mati mahupun dimamah usia.

Beberapa abad kemudian, (untuk dijadikan ceritanya) alchemist tersebut telah mati di bawah runtuhan bangunan selepas kejadian gempa bumi besar. (Oh ya, pemakai alat tersebut boleh mati dengan syarat jantungnya ditikam atau ditusuk). Akhirnya kini, alat tersebut (yang tersorok dalam sebuah patung) jatuh ke tangan seorang peniaga (tua) kedai barangan antik bernama Jesus Gris (lakonan Federico Luppi). Di kedai, beliau ditemani cucu perempuannya, Aurora yang sentiasa dilihat membisu seribu bahasa.

Kekuatan kisah seram klasik ini sebenarnya tidak terletak pada ceritanya (barangkali klise), tetapi pada emosi yang dijanakan dalam karakternya yang begitu menyentuh sekali. Persis hubungan seorang datuk dan cucu yang terjalin begitu kuat – lihat sahaja ketika cucunya menyambut kepulangan datuknya, walhal dia tahu bahawa datuknya itu sepatutnya sudah mati. Dan ini menjadikan Cronos sebenarnya sebuah filem horror yang bertemakan kasih sayang. Maka kerana itu filem ini amat cantik lagi menghibakan. Ia diadun dengan sentuhan latarbelakang muziknya yang membentuk dan menggabungkan suasana seram-hiba tersebut.

Filem ini sebenarnya mengutuk immortaliti, malah penyangkalan hukum-ajal itu merupakan satu hukuman terhadap dosa yang pastinya ditanggung – maka dunia itu 'neraka' mereka. Ironinya, kasih sayang masih lagi terjalin di antara mereka sekeluarga. Perhatikan keadaan Jesus – yang tidak lagi 'hidup' secara fizikal dan akhirnya beliau hanya mampu terlantar. Barangkali menantikan sebuah lagi gempa bumi yang dahsyat (sekali lagi) datang mengambil nyawanya untuk selama-lamanya.

Ulasan Filem : Lantana (2001)

Oleh Mahhass

Saya harus berlaku jujur di sini dengan mengatakan bahawa sedikit-sebanyak saya telah tertipu oleh cover dvd atau poster filem ini. Kerana sudah pastinya (dengan melihat covernya) saya teruja dan telahpun membayangkan segala paparan visual horror/misteri atau crime/pembunuhan sebelum menontonnya. Tambahan lagi dengan terpampangnya sebaris ungkapan besar "Two Big Thumbs Up" oleh pengkritik terkenal Roger Ebert.

Walaubagaimanapun, 'tertipu' TIDAK bererti saya kecewa. Malah, filem ini memberikan yang lebih baik dari yang saya jangkakan. Dan sepatutnya, saya tidak perlu merasa tertipu kerana sememangnya wujud plot misteri tentang kehilangan seorang wanita dalam filem ini. Maka, barangkali tertipu itu lebih bersifat peribadi.

Lantana ialah sebuah produksi Australia. Ini adalah kali pertama saya menonton genre misteri/suspens/jenayah (produksi Australia bertaraf antarabangsa) selain filem bertemakan drama sosial-humanisme seperti Rabbit-Proof Fence dan juga Black and White baru-baru ini. (Saya tidak mengambil kira filem zombie-horror Undead yang dikeluarkan tahun sudah).

Tirai Lantana dibuka dengan paparan visual mayat seorang wanita yang penuh misteri. Visual tersebut mengingatkan saya pada filem L'Humanite – bezanya cuma imej yang dipaparkan dalam Lantana lebih 'tertutup' berbanding imej 'keterbukaan' mayat seorang gadis bawah umur dalam filem L'Humanite. Seterusnya, filem ini kembali pada saat permulaannya, yakni mula mengkhususkan dan mengembangkan satu persatu watak-watak yang memainkan peranan dalam menggerakkan plot drama misteri ini.

Kita akan mula mengenali watak Leon, seorang anggota polis penyiasat yang berlaku curang terhadap isterinya Sonja walaupun beliau sedar yang beliau masih menyintai isterinya. Sonja pula asyik menumpukan minatnya dalam tarian Salsa. Secara kebetulan, rakan sekelasnya iaitu Jane, yang sebenarnya dicurangi suaminya.

Sonja pula (walaupun tidak pernah tahu akan hubungan suaminya dengan Jane) seringkali tertekan dengan keadaan keluarganya lantas menemui penasihat psikologi, Valeri Somers – yang juga mengalami masalah rumahtangga setelah kematian anaknya. Dalam filem ini kita akan dapati bahawa Valerie telah 'hilang' secara misteri di sebuah kawasan sunyi sewaktu keretanya rosak di tepi jalan. Dan sekali lagi secara kebetulannya, Leon merupakan orang yang bertanggungjawab mengendalikan kes tersebut.

Lantana melihatkan beberapa unsur 'kebetulan' serta hubungan yang 'wujud' di antara watak-wataknya. Malah, perkaitan yang wujud itu amat unik, tidak ternafi oleh logikal minda kita. Lihat sahaja watak Jane, yang juga mengalami masalah rumahtangga – akhirnya mengambil jalan mudah melepaskan hawa nafsu dengan Leon – sedangkan suaminya masih lagi dilihat menyayanginya. Dalam masa yang sama juga, beliau seakan cuba menggoda jirannya Nik - sederhana keluarganya tetapi kasih sayang yang wujud di antara mereka amat menyentuh. Dan dalam filem ini, Nik menjadi suspek utama kehilangan Valerie berikutan ada saksi dan juga bukti yang membolehkan beliau diheret oleh pihak berkuasa.

Walaupun garapan misteri atau "whodunit" yang menjadi tema di awal pembukaannya, namun sebenarnya filem ini lebih cuba menyampaikan erti sebuah kasih sayang, cinta, kecurangan, sikap toleransi, nilai kejujuran, persahabatan, kesangsian dan yang lebih utama ialah perjuangan sesebuah keluarga itu dalam menempuh serta menangani konflik perhubungan. Saya begitu menyukai filem ini kerana emosi yang wujud di saat akhirnya benar-benar menyentuh lubuk hati.



Filem ini hampir menyapu bersih *anugerah di Australian Film Institute (AFI) untuk tahun 2001 :

1. Best Film – Jan Chapman
2. Best Direction – Ray Lawrence
3. Best Screenplay – Andrew
4. Best Actor – Anthony LaPglia (Leon)
5. Best Actress – Kerry Amstrong (Sonja)
6. Best Supporting Actor – Vince Colosimo (Nik)
7. Best Supporting Actress – Rachael Blake (Jane)

*sumber : www.imdb.com

Ulasan Filem : La Belle Noiseuse (1991)

Oleh Mahhass

La Belle Noiseuse jika diterjemahkan bermaksud "The Beautiful Troublemaker", adalah sebuah filem, yang bukan sahaja artistik dari segi teknik, malah filem ini benar-benar menceritakan tentang seorang 'artist' atau pelukis tua, yang melakarkan ekspresionis minda beliau dalam mencari sesuatu intimasi serta mengolah sesebuah rahsia dari metafizikal ketelanjangan tubuh badan wanita.

Secara peribadinya, La Belle Noiseuse telah mencipta sejarah tersendiri buat saya, iaitu kerana durasinya yang mencecah 4 jam. Belum pernah lagi saya menonton sebuah filem yang sepanjang ini untuk sebuah filem. Walaupun 4 jam, filem 'art' ini sebenarnya cantik dari segi olahan visualnya, kisahnya agak 'compelling' (kecuali di bahagian 1 jam pertamanya). Maka, untuk menonton filem-filem sebegini harus dibekalkan dengan kesabaran yang tinggi. Tambahan lagi dengan penggunaan dialog yang agak minimalis.

Walaupun filem ini memaparkan secara zahir serta beberapa bentuk ilustratif keranjangan wanita (sewaktu proses pelukis tersebut mempotretkan modelnya), namun tiada satupun adegan seks mahupun sensual-erotik yang berlaku dalam filem ini. Dinamiknya, bukan keranjangan fizikal yang cuba dipersembahkan dalam filem ini tetapi emosi yang terbentuk di antara Frenhofer (lakonan Michel Piccoli), iaitu pelukis dan modelnya Marianne (lakonan Emmanuelle Béart).

Apa yang menariknya lagi tentang filem ini ialah kita dapat melihat secara 'simplicity' atau terus-menerus, bagaimana proses ilustrasi lukisan tersebut dilakarkan dengan teknik 'sketch' yang sungguh memberangsangkan, sekaligus kita dapat menyelami perasaan gementar, kesabaran serta keresahan yang wujud di antara dua protagonis filem ini. Keplatonikan antara kedua-duanya memberi ruang penontonnya untuk terus 'mengejar' satu-persatu perjalanan plotnya meskipun filem ini memakan masa yang banyak.

Filem ini juga, hampir langsung tidak berlatarbelakangkan muzik, hanya kedengaran dengusan nafas serta bunyi-bunyian yang terhasil ketika potret tersebut dilakarkan. Itu menambahkan lagi kecantikan asli filem ini.

Saya tidak akan menolak sebarang kemungkinan apabila sesetengah penontonnya tidak dapat menghayati sepenuhnya filem ini (atau mungkin separuh jalan) berikutan struktur perjalanannya yang barangkali begitu lembab dan membosankan.

Tetapi itulah sebenarnya yang 'sengaja' disampaikan oleh dua orang penulis skripnya, Pascal Bonitzer dan Christine Laurent, seterusnya dilayarkan ke skrin oleh sutradara terkenal Jacques Rivette. Ia seakan sebuah gambaran refleksi kehidupan sebenar serta jiwa, kesukaran seorang pelukis (dan modelnya) yang memerlukan komitmen besar serta kesabaran yang jitu dalam melakukan kerja-kerja seni mereka. Maka secara keseluruhannya, filem ini amat sesuai sekali bagi mereka yang berjiwa seni khususnya dalam aliran lukisan dan juga ekspresionisme.



Filem keluaran negara Perancis ini telah merangkul anugerah Grand Prize of the Jury, Prize of the Ecumenical Jury - Special Mention (termasuk nominasi Golden Palm) di Cannes Film Festival 1991.

Ulasan Filem : Audition (2001)

Oleh Mahhass

Bagi para pembaca budiman yang telahpun mengunjungi laman SKRIN ini sejak dari dulu lagi, pastinya sedia maklum bahawa lazimnya, filem-filem yang diulas oleh saya lebih menjurus kepada yang bercorak seram atau berunsurkan keganasan. Tidak bermakna saya seorang yang ganas mahupun pengganas. Entah kenapa saya sendiri kurang pasti.

Barangkali saya sukakan deruan adrenalin atau debaran, keterujaan serta perasaan klaustrofobia tatkala menonton sesebuah filem tersebut.

Pernah salah seorang sahabat saya Vad, menulis 'testimoni' untuk saya di awal perkenalan kami. Saya benar-benar menghargai penulisan beliau malah saya jadikannya sebagai dorongan untuk saya terus menulis lagi.

Saya juga percaya bahawa TIDAK semua pengunjung laman ini mempunyai minat yang sama seperti saya. Tidak kurang juga yang membenci penulisan saya. Tetapi tidak mengapalah. Saya berpegang pada prinsip – "sesuatu penulisan itu tidak akan sempurna jika semua orang mengiyakannya".

Berbalik semula kepada topik seram-ganas, minggu sudah saya menonton sebuah filem arahan sutradara Jepun terkenal Takeshi Miike berjudul AUDITION atau "Odishin" dalam istilah Jepun. (Sebelum ini saya juga ada mengulas filem terbaru beliau berjudul Visitor Q). Sudah sekian lama saya memerhatikan kulit DVDnya. Cuma kali ini baru saya terbuka hati untuk menelaah isinya.

Memang benar, saya ada terbaca serba sedikit ulasan filem ini di rottentomatoes, namun ia belum berjaya mempengaruhi saya kerana saya agak skeptikal tentangnya. Barangkali saya terlalu 'sombong' – beranggapan bahawa sinema Asia tidak setanding dengan sinema barat khususnya dalam konsep keganasan yang ditonjolkan.

Ternyata saya silap kerana segala paparan keganasan yang divisualkan oleh pengarah muda Jepun dalam filem AUDITION ini berjaya meranapkan segala rasa sangsi saya terhadapnya sekaligus menghantui saya hingga ke saat ini. Saya benar-benar maksudkannya sebagai keganasan ekstrem.

Saya juga berani katakan bahawa pengarah Asia ini boleh saja diletakkan sebaris dengan nama-nama besar seperti George A. Romero, Sam Raimi, Mario Bava, David Lynch, Tobe Hooper, David Crononberg, Dario Argento, Lucio Fulci, Peter Jackson (di awal pembabitan perfilemannya), Quentin Tarantino serta Rob Zombie. Bahkan, AUDITION seolah-olah menjadikan karya Tarantino (Kill Bill) dan Gaspar Noe (Irreversible) boleh diklasifikasikan "PG-13"!

AUDITION mengisahkan Auyoma (lakonan Ryo Ishibashi) yang setelah 7 tahun hidup menduda, mula berkeinginan untuk mencari pengganti isterinya. Perkara ini disedari oleh rakan sekerjanya Yasuhisa Yoshikawa (lakonan Jun Kunimura) yang kebetulan berkerja sebagai produser filem. Seterusnya, mereka mengadakan satu uji bakat 'olok-olok' bagi pencarian seorang pelakon wanita sebagai salah satu usaha untuk mendapatkan calon isteri Auyoma.

Akhirnya, Auyoma telah terpaut hati dengan salah seorang peserta iaitu Asami - walaupun rakannya ada menyuarakan kesangsian terhadap pemilihan wanita yang penuh misteri tersebut.

Segala-galanya berjalan seperti biasa – strukturnya bergerak perlahan dan mendatar – agak melodrama di bahagian awalnya hinggalah di bahagian pertengahannya. Namun, apabila filem ini mencecah ke 30 minit terakhirnya, barulah kemuncak sebenar dapat kita rasai. Dan kemuncak itu adalah jawapan kepada segala elemen misteri, suspen, surreal, dark-side, psiko, halusinasi, paranoia yang terkandung dalam filem ini.



Corak keganasan dan seksaan (penuh subtle, halus penuh berseni – "deeper... deeper") yang dipaparkan sungguh realistik, menguja, menakutkan, 'eerie', bloody, meloyakan, mengilukan, menyeriaukan, menggelitik, mengerikan malah lebih menyeksakan dari Texas Chainsaw Massacre, House of 1000 Corpses dan filem-filem yang seangkatannya. Barangkali ia setanding Passion of The Christ namun intepretasi seksaan (Passion) tersebut berbeza sama sekali.

Saya tidak tahu bagaimana caranya lagi untuk 'mempra-tontonkan' filem ini untuk kalian. Bagi mereka yang 'sanggup tahan' akan segala paparan "extreme-violence-extravaganza" - NAH, ini dia filemnya... yang terbaik antara yang terbaik pernah dihasilkan!

SKRIN Rating : A+ (5/5)

Ulasan Filem : Buai Laju-Laju (2004)

Oleh Mahhass

Filem 'noir' terbaru U-Wei Hj. Saari (yang boleh sahaja saya katakan pengarah berstatus 'cult' tanahair) sekali lagi membawa homej filem terdahulu beliau iaitu Perempuan, Isteri dan Jalang (PIJ) - saya benci dengan perkataan dot-dot-dot yang diberikan.

Namun, kali ini U-Wei terlebih dahulu menyatakan bahawa cetusan idea filem ini ialah berdasarkan dari filem arahan Bob Rafelson (yang ditulis lakon layarnya oleh David Mamet) iaitu Postman Always Rings Twice (1981) – filem remake tahun 1946. Bagi yang pernah menonton filem ini, pastinya tahu bahawa filem ini menggambarkan wanita menggunakan daya tarikan seksualnya untuk kepentingan peribadi. Tambahan lagi, Bob Rafelson sebenarnya seorang penulis dan sutradara yang cukup terkenal menghasilkan filem-filem porno.

Filem ini berbeza sekali dengan PIJ walaupun masih kelihatan formula yang sama disuntik ke dalam BLL. Barangkali, itulah gaya atau 'cult' U-Wei yang saya perkatakan tadi. Tersendiri. Beliau bijak menghidupkan suasana realisme dalam filemnya. Imej budaya serta sosialisme kampung tidak pernah lekang dari karyanya. Dan filem ini sekali lagi membawa 'dark-side' budaya kita yang menguja, menggetar lagi mengghairahkan!

Segala-galanya bermula dengan 7 ringgit 50 sen. Harga makanan yang tidak mampu terbayar oleh Amran (lakonan 'come-back' Eman Manan) sewaktu singgah di warung milik Ibrahim (lakonan 'penuh manusia' - Khalid Salleh) dan isterinya Eton (lakonan Betty Benafe). Oleh kerana Amran tidak mampu, lalu menawarkan diri untuk membuat apa-apa kerja bagi melangsaikan hutang RM7.50 tersebut. Ironi apabila Ibrahim dengan hati terbukanya menawarkan Amran bekerja di warungnya. Maka di sinilah bermula titik-tolak hubungan 'implicit' seksual di antara Amran dan Eton sehingga kedua-duanya merancang untuk membunuh Ibrahim setelah Eton (kononnya) telah mengandungkan anak Amran.

Tema 'gelap' yang digarap juga mengingatkan saya pada filem Dr. Rushdi arahan P. Ramlee suatu ketika dahulu yang (secara peribadinya) mendahului senarai filem 'noir' terbaik pernah dihasilkan setakat ini. Dan filem ini sekali lagi membuktikan bahawa nafsu, seks, kecantikan dan materialisme lebih mengatasi cinta dan oleh kerana itu, manusia dilihat sanggup tunduk dan menyembahnya.

Kekuatan filem ini terletak sepenuhnya di bahu ketiga-tiga antagonisnya. Eman Manan dan Khalid berjaya memberi kesempurnaan serta nyawa filem ini. Lakonan Benny Benafe saya kira lebih 'daring' dari Sofea Jane dalam PIJ – 'kelabu' dan lebih ghairah tetapi tidaklah menggegarkan sebagaimana watak Zaleha berjaya menggegarkan satu kampung. Tetapi itu cerita lain. Barangkali improvisasi Benny sahaja yang patut diperbaiki. (mengingatkan saya pada improvisasi Nasir Bilal Khan yang sungguh unik dan memukau dalam PIJ!)

Sepertimana Alfred Hitchcock (malah Tinto Brass!) muncul dalam filem-filem mereka, U-Wei juga muncul sewaktu babak kejar-mengejar yang dimuatkan dalam filem ini. Kemunculannya (seingat saya dua kali dalam satu babak) sungguh melucukan. Apatah lagi, dalam babak tersebut beliau ditanya oleh polis (lakonan Adlin Aman Ramli) ke mana arah Amran melarikan diri – beliau menunjukkan arah yang bertentangan. Sungguh sinikal!

Buai Laju-laju telah memasuki Festival Filem Antarabangsa Singapura ke-17, Cinemanila Film Festival 2004 (Filipina) dinominasikan dalam kategori Lino Brocka Award serta Festival Filem Malaysia ke-17 baru-baru ini. Eman Manan telah menggondol anugerah pelakon lelaki terbaik untuk filem ini.

Seperkara yang memusykilkan saya tentang filem ini ialah rating atau klasifikasi "U" yang diluluskan oleh Lembaga Penapisan Filem Negara. Saya perasan akan perkara ini di skrin jadual tayangannya yang saya perhatikan ketika beratur panjang untuk membeli tiket di TGV KLCC semalam. Jika kita rujuk pada sinopsis dan juga intipatinya, jelas sekali Buai Laju-Laju bertemakan wanita, seks dan pembunuhan. Yang lebih menghairankan lagi apabila filem ini diklasifikasikan "PG" di Singapura. Adakah ini membawa maksud filem ini telahpun 'dicincang habis-habisan' sebelum ia dibuka tayangannya di Malaysia?

kredit foto : kamal @ filemkita.com
ulasan rakan : sultanmuzaffar

Ulasan Filem : The Ladykillers (2004)

Oleh Mahhass

Sebetulnya, kali pertama yang saya tonton filem ini, saya tertidur di suku pertamanya. Bosan? Barangkali… Tetapi apabila saya dimaklumkan oleh rakan saya GAIA, bahawa filem ini (yang diterbitkan semula dari versi originalnya tahun 1955) telahpun memasuki Cannes Film Festival 2004 - kategori Golden Palm, saya cuba gagahi untuk menontonnya buat kali kedua - sampai habis.

Maka ternyata filem arahan Coen Brothers ini memikat hati sebenarnya. Walaupun plotnya agak sedikit mendatar pada mulanya, ia cuma memerlukan sedikit kesabaran dalam penghayatan dan pemahamannya. Hanya apabila kita 'nampak' akan muslihat antagonis dalam filem ini, maka barulah kita faham kenapa tutur dialognya terlalu tinggi dan berfalsafah (yang boleh saja mematikan 'mood' menonton di awal bahagian).

Saya meletakkan kekuatan filem ini dibahu Tom Hanks yang membawa watak Professor G.H Dorr. Wataknya 'kelabu', sinikal, humanis dan amat melucukan sekali. Beliau jugalah yang menjadi ketua dalam pakatan menyamun sebuah "Casino" melalui terowong yang dibina bermula dari sebuah rumah milik seorang perempuan tua, Madam Munson (lakonan Irma P. Hall) – yang disewa Prof. Dorr. Beliau dan kuncu-kuncunya menyamar sebagai pemuzik amatur sambil melakukan kerja penggalian terowong tersebut.

Pun begitu, apa yang agak kurang menariknya dalam filem ini, ialah kerana penulis skrip terlalu banyak memberi fokus terhadap subplotnya (kisah kuncu-kuncunya) dari memfokuskan plot utamanya. Biarpun temanya adalah komedi, namun aspek ini perlu diambil kira tambahan lagi pemilihan pelakonnya yang saya kira agak kurang bersesuaian (kecuali Hanks dan Irma Hall). Mungkin niat penulisnya terlalu tinggi, dengan cuba menarik golongan muda menonton filem ini. Saya kira itulah kesilapan besarnya. Dan barangkali juga inilah faktor yang menjadikan filem ini dikritik oleh sebilangan besar pengkritik filem.

Tetapi filem ini sebenarnya menarik, unik serta feel-good, yang boleh membuatkan kita lupa akan beberapa aspek kelemahannya. Dalam filem ini kita dapat perhatikan sebuah utopia atau sosialisasi masyarakat yang begitu sempurna, sehingga digambarkan penjara-penjara sudahpun berdebu, usang tidak berpenghuni sejak sekian lama. Polis-polis yang bertugas di balai boleh disindir sebagai 'makan gaji buta'. Juga digambarkan gereja-gereja yang sentiasa meriah, dipenuhi pengunjungnya serta tatabudaya yang mesra ditonjolkan.

Juga yang menariknya tentang filem ini, ialah apabila sebuah 'pulau' dibina khas sebagai tempat pelupusan sampah-sarap, jauh dari komuniti tersebut. "Pulau sampah" itu sebagai ekspresionis penulisnya, menyimbolkan betapa segarnya suasana komuniti yang terhindar dari segala macam sisa-sisa kotoran (anasir jahat), juga simbolisme 'gelap' membayangi watak 5 orang penyamun tersebut.

Disebalik lakon layar yang agak sedikit longgar (kecuali garapan komedinya), teknik fotografi serta sinematografi yang dipaparkan amat menarik sekali. Walaupun kadang-kadang tampak luar dari jangkauan logikal minda (CGI juga memainkan peranan), namun ia amat kena dengan konsep filem ini. Cantik dan menarik.



Saya tidak boleh membandingkan versi awal Ladykillers (keluaran British) yang diputarkan pada tahun 1955 oleh sebab saya belum berpeluang menontonnya lagi. Pun begitu, secara peribadinya, saya berani mengatakan bahawa filem ini boleh saja dianggap sebagai sebuah filem remake yang baik dan 'menjadi'. Tetapi dalam masa yang sama juga (yang lebih penting sebenarnya) – membuktikan bahawa karyawan Hollywood semakin ketandusan idea.

Ulasan Filem : 11'09"01 September 11 (2002)

Oleh Fadz

Semalam malam aku di Institut Asia Eropah Universiti Malaya untuk menonton filem 11'9"01- September 11. Filem ini adalah kumpulan 11 filem pendek yang diterbitkan oleh Alain Brigand dari 11 sutradara di seluruh dunia yang ingin memperkatakan sesuatu tentang 11/9/01 di World Trade Centre New York.

Filem-filemnya mungkin tidak memperkatakan secara menerus tentang tragedi 11/9 sepertimana dokumentari 11/9 yang ditayangkan sebelumnya, tetapi ia sebenar-benarnya adalah rasa hati (tanpa pengaruh Amerika), fikiran, intelektual, dan mata pengarah-pengarahnya tentang rasa, takut, soal, sedih, polemik dan sindiran pada tragedi 'yang patut dirasai oleh seluruh dunia ini', mengatakan bukan sahaja masyarakat New York sahaja yang berhak bertalqin tentang tragedi ini, bukan sahaja USA boleh merintih seperti ibu yang melihat keranda anaknya pergi.

Filem-filem ini adalah filem-filem telus tentang permintaan pengarah-pengarah ini yang 'berjaya' mewakili dunia, tentang apa itu 11/9 pada mereka. Filem ini juga memperkatakan tentang kedatangan satu alaf baru, dan bagaimana manusia perlu mendepaninya. Ia juga agak menakutkan kerana dengan menonton segmen-segmen filem ini, aku merasa 'hari akhirat' seakan sudah kian dekat. Armageddon seakan di sebelah rumah. Maka filem ini menguja penontonnya, apa yang kita perlu buat jika hari akhir sudah terlalu dekat.

Makhmalbaf-Iran

Filem pertama yang bermula adalah filem daripada Samira Makhmalbaf (pengarah Blackboard). Ia adalah filem yang paling senang ditontoni, juga yang paling menyeleruh, merumuskan dan menjadi muqadimah pada setiap kefahaman pengarah filem yang akan menyusur selepasnya tentang tragedi 11/9. Terdapat empati di dalamnya. Terdapat juga sindiran tentang 'perlukah kita peduli tentang tragedi ini?'. Filem ini menggunakan kanak-kanak dunia ketiga untuk menceritakan filemnya. Kata kanak-kanak itu sungguh tulus, kelakar dan sekaligus menyinggung minda. Tuhan dipersoalkan ("Tuhan cipta manusia dan Tuhan musnah manusia", "Tuhan takde kapalterbang!"), kepeludian rakyat dunia ketiga dipersoalkan, juga secara separa sedar, 'musuh-musuh' Amerika sendiri dipersoalkan (pada waktu itu, Iraq, Afghanistan, Iran, dll.) jika mereka perlu bertanggungjawab dengan kejatuhan WTC New York. Ada satu line yang sangat memikat, mengajak kita menonton filem ini dengan hati terbuka, empati tanpa menghakimi dan emosi; sewaktu cikgu kanak-kanak itu berkata: "Keep your innocence O Children." Filem ini diakhiri dengan cikgu kanak-kanak itu mengajak pelajarnya berdiri di bawah cerobong tinggi yang berasap. "Ini menara, gambarkan manusia-manusia di dalamnya". Ia sekaligus kelakar dan poignant. Pada orang New York, akhir filem ini sangat menyentuh dan mengharukan. Pada orang-orang yang masih tidak memahami perlunya bersedih ke atasnya, walaupun tidak bersalah kerana tidak, akan melihat menara itu hanya seperti cerobong yang tinggi dan berasap.

Lelouch-Peranchis

Filem kedua adalah daripada Claude Lelouch. Ia adalah antara segmen paling cantik dibuat, antara 'personal favourite' aku. Segalanya drama manusia, sifat manusia dan kemanusiaan yang dimainkan. Ia cuba menceritakan, sebalik satu-satu tregedi, ada juga hikmahnya, mungkin besar atau kecil tapi penting untuk seseorang itu merasainya dan mencari nilai disebaliknya. Filem ini menceritakan perhubungan yang kian berakhir antara seorang perempuan bisu dengan seorang lelaki yang tiada cacat fizikalnya. Lelaki itu adalah simbol Amerika- angkuh, sedar kemerdekaannya, bebas, bersemangat tinggi, sentiasa tahu bahawa dia boleh berdiri dengan sendiri tanpa pertolongan orang lain. Perempuan itu adalah 'the rest of the world', yang senitasa inginkan intim dan penerimaan Amerika, sehingga diakhir-akhir masa, dia/kita sudah hilang kepercayaan kepadanya, merasa terkilan akannya. Para masyarakat New York tentu marah dengan akhir filem ini kerana ia menimbulkan optimisme pada detik berlakunya bencana itu. Tetapi itulah persoalan yang ingin dihidangkan oleh Lelouch, mencari harapan dalam satu-satu malapetaka, walaupun mungkin untuk seorang individu sahaja. Sangat mengharukan.

Chahine-Mesir

Filem Youssef Chahine pula agak berfalsafah. Pendekatannya mengikut gaya filem-filem Mesir/Arab di mana filemnya disandarkan dengan alunan biola yang menggertak dan suara-suara manusia yang meluah tanpa batas (kita akan sedar bila menonton filem-filem Mesir, ia mempunyai unsur yang sama dengan filem-filem Tamil, Telegu, Punjab dan Hindi, cakap-cakapan terus dan berkias, watak-wataknya terlalu kasar dan terus-terang, unsur dramatiknya dan deringan gesek biolanya yang asyik). Luahan ini adalah 'kata hati' pengarahnya yang sangat berfalsafah, kritis dan sekaligus analitik tentang kebaikan dan keburukan kesan tragedi 11/9. Satu babak yang sungguh klise dalam filem-filem Arab dibuat dalam babak pemuda Palestin yang bersedia untuk berjuang, di mana penggunaan klise itu berjaya menaruh mesej pengarah bahawa drama tetap ada di mana-mana, dan drama di Palestin ini tidak akan berakhir dengan jatuhnya WTC. Ada satu babak yang mencuitkan dan mengharu, bila si pelakon yang membawa watak pengarah itu memusing ke belakang klip kejatuhan Menara Kembar New York ("Aku boleh buat ini"), dan si askar Amerika berkata, "Tapi ia tetap tidak boleh membawa balik nyawa yang tiada lagi". Filem mungkin tidak dapat berbuat apa-apa dan mengubah pendirian manusia, sepertimana kehancuran yang berlaku di Afghanistan dan Iraq sekarang kerana tragedi 11/9. Orang Amerika rasa perlu darah-darah mangsa itu ditebusi. Amat menyedihkan.

Loach-UK

Kerana itu, filem polemik dan sekaligus berkuasa dari Ken Loach seharusnya membuka pekung di dada rakyat Amerika tentang rasionalisasi keinginan mereka untuk berperang kerana tragedi ini. Filem ini sangat kuat dalam mempersoalkan tentang kehibaan orang Amerika (tanpa terlalu menghakimi, kerana watak filem ini yang sebenar, Vladimir Vega memberitahu, "aku berharap kau (USA) juga mengingati kami waktu 11/9 ini") tentang tragedi 11/9. Kerana gaya dokumentari filem ini menjelaskan peristiwa berdarah di Chile waktu 11/9/1973, waktu yang sama di mana Amerika sendiri yang menyerang secara 'terrorist' bandar Chile, Santiago. Aku boleh mengaku bahawa, kekuatan filem dokumentari ini lebih berkesan dari Farenheit 9/11 Micheal Moore.

Tanovic-Croatia

Isi filem daripada Danis Tanovic (pengarah No Man's Land) pula agak sama dengan Makhmalbaf dan Loach. Ia mengjustifikasikan dunia di luar Amerika juga ada hak untuk berhiba waktu 11/9, mengingatinya kerana New York, mengingatinya kerana kemanusiaan atau mengingatinya kerana kita juga mempunyai pengalaman kita sendiri tentang kemusnahan dan kehilangan jiwa. Kita ada hak untuk berhiba dengan cara kita sendiri, tidak tertakluk pada permintaan dan pengaruh Amerika.

Ouerdrago-Afrika Barat

Filem daripada Idrissa Ouedraogo adalah yang paling kelakar dan penuh sindiran. Ia membawa persoalan yang memikat bahawa orang dunia ketiga tidak ada masa untuk bersedih dengan Amerika si negara kaya, tetapi dunia ketiga boleh mendapat keuntungan daripada kesan kesedihan itu. Mungkin ia 'cahaya baru' untuk negara-negara miskin, sekaligus amat pedas kerana menunjukkan kesiksaan di sekeliling dunia sebenarnya lebih penting dari berita-berita dari Negara Barat, yang sepatutnya diselesaikan oleh orang Barat sendiri dengan rasional dan hati terbuka dan bukan mengheret dunia ketiga untuk sama-sama beremosi. Filem ini adalah tentang bagaimana sekumpulan budak sekolah (unsur yang sama dengan Makhmalbaf) cuba menangkap Osama Laden yang dilihat berpeleser di tengah kota, dan bagaimana orang sekeliling 'buta' dengan kehadirannya dan bukan budak-budak itu (simbol separa sedar, orang Islam sebenarnya dibelakang perjuangan Osama). Adakah Osama juga satu ciptaan imej budak-budak itu, sebagai harapan hidup mereka boleh berubah kerana Helang Amerika patah sayapnya dan perlukan pertolongan? Mereka tidak pedulipun Osama itu sama Islam dengan mereka. Mereka hanya tahu, Osama adalah dalang 11/9 dan dalang yang boleh membawa keuntungan. Aku ketawa berdekah sewaktu Adama menjerit dan menangis hiba: "Osama, datanglah balik ke sini sekali lagi."

Gitai-Israel

Filem Amos Gitai juga cuba menjadi filem yang menyentuh sekaligus kelakar. Tetapi ia tidak dapat menandingi filem Ouerdrago walaupun ia mempunyai mesej yang tersendiri. Ini adalah mungkin (seperti filem Mesir tadi) kerana kecalangan watak-wataknya yang terlalu, dan sebenarnya disengajakan kerana ia tidak mahu menimbulkan simpati tetapi perasaan hiba yang meronta (budaya ini amat sinonim dengan masyarakat Ibrani. Juga seperti Iran, meratap adalah satu 'pahala besar' dalam mengingati satu-satu kesedihan dalam hidup orang Yahudi). Menonton filem ini sebenarnya menggegarkan, dan sedar bahawa orang Yahudi masih mahu memperkatakan dengan terus-terang, kedatangan zaman perubahan sudah datang, armageddon sudah sungguh dekat. Manusia secara takdir, sudah mempunyai tarikh keramat di mana segala perubahan akan berlaku. Tuhan juga akan selalu menurunkan bencana setiap tahun, menguji manusia (dengan perbezaan tahap kesusahan mengikut zamannya), seperti mana Asyura pada Yahudi dan Islam (tanda hari gemilang dan kadangkala penuh ujian untuk manusia agama wahyu. Orang Islam disunatkan untuk berpuasa dan banyak beramal pada hari itu kerana kebanyakan peristiwa besar dalam kalendar Yahudi dan Islam tentang rasul-rasul dan wali-wali mereka berlaku pada hari itu), begitulah juga 11/9. Filem ini juga menyeramkan bila kita sedar, pada setiap kali bencana yang berlaku pada zaman ini, chaos yang datang tidak membuat manusia menjauhinya tapi datang kepadanya (seperti mana fokus kamera dan watak-watak yang inginkan tempat dalam fokus kamera filem ini) seperti semut berjumpa gula (dalam tradisi Islam, tempat-tempat bencana seharusnya cepat-cepat dijauhi dan dibaca, "innalillah wa inna hi rajiun" supaya badi bencana itu tidak mendekati orangnya. Sungguh menakutkan apabila orang zaman ini, laut masin di Jordan sudah dijadikan tempat perlancongan). Filem ini menggunakan satu shot tanpa suntingan, menginginkan ia menjadi revelasi tragedi 11/9 ala Israel. Filem ini cuba mengatakan, inilah roh (the heart) 11 filem yang lainnya. Tetapi filem Inarritu dari Mexico adalah roh sebenar filem-filem ini.

Iñárritu-Mexico

Alejandro González Iñárritu dalam segmennya telah menciptakan satu tayangan hiba-seram dan sekaligus menjadi filem yang paling baik antara 10 filem lain dalam mengungkapkan tragedi 11/9. Filem ini adalah filem yang paling aku gemari antara 11 filem yang ditayangkan. Ia memulakan segalanya dengan 'black screen', dan kita dengar bagaimana suara-suara manusia (yang mana, setiap bahasa dalam dunia ini dipotong dan di satukan menjadi satu alunan mentera) Tuhan berkumat, dan kemudiannya lagu yang menghayun perasaan, kemudiannya suara-suara manusia yang mengalami tragedi 11/9 (Spiral memberitahu, Farenheit 9/11 telah mencuri idea ini dari Inarritu). Imaginasi penonton yang diperlukan, menggambarkan seram dalam hati mereka apabila melihat kegelapan skrin dan suara-suara jeritan, hentakan di tanah dari manusia yang terjun dari Menara Kembar. Dan kegelapan ini diselang-selikan dengan manusia-manusia yang terjun dari Menara Kembar. Horror. Untuk orang yang baru mengetahui tentang tragedi ini, segmen ini sahaja sudah sungguh menginsafkan. Dalam tahap rohani pula, pengarahnya (yang memang terkenal membawa elemen 'bible', metafizik dan keTuhanan dalam filem-filemnya) seakan-akan memberitahu, Tuhan sedang 'buta', malah membasuh tangannya dari bencana ini (Tuhan hanya mendengar suara-suara manusianya, dan tiba-tiba sedar tragedi ini sedang berlaku 'di depan matanya'). Tuhan walaupun mungkin 'buta', turut hiba bila ciptaan-ciptaannya (manusia) musnah begitu (Innaritu juga ingin menyatakan, yang penting di sini adalah manusia, dan bukan situasinya). Maka Tuhan (juga Innaritu) mengarah satu mesej yang sungguh berkesan (dengan suara latar mentera manusia anak-anak Tuhan yang mula menguat), menyoal diri kita, "Adakah manusia buta atau sedar dengan cahaya Tuhan?"

Nair-India

Filem Mira Nair dimulakan dengan bacaan seorang perempuan Islam, ayat doa Nabi Yunus sewaktu dalam perut Ikan Nun (untuk menghilangkan kesusahan yang melandanya, juga separa sedar untuk Orang Islam seluruhnya tentang kesan tragedi ini) dan kemudiannya zikir pada Tuhan (Yang MeRahmati, Yang Selamat). Ia adalah testimoni yang mewakili seluruh Umat Islam. Aku sedar juga bagaimana dunia zaman ini sudah begitu kompleks, satu-satu budaya mula bergesel dengan budaya yang lain, dan bagaimana dengan geselan itu sudah tentu berlakunya inersia yang membawa pada ledakan (juga armageddon). Suara Mira Nair adalah satu suara yang sungguh jujur dan datang dari hati, bagaimana penghakiman tidak perlu ada dalam manusia bila kita tidak faham akannya. Ini adalah antara filem yang senang tetapi kuat impaknya pada aku. Itulah filem sepatutnya.

Penn-USA

Filem daripada Sean Penn ini sama tarafnya dengan filem Lelouch. Bila tragedi 11/9 adalah 'miracle' untuk sekumpulan yang lain. Tetapi Penn agak pedas bila ingin memberitahu (kerana Lelouch mengambil watak orang Peranchis dalam segmennya) orang-orang itu adalah rakyat Amerika sendiri. Ernest Borgnine berlakon sebagai lelaki tua yang nyanyuk dan bercakap sendiri. Ia adalah sindiran halus pengarahnya pada Amerika itu sendiri, bagaimana tuanya ia, dan bagaimana impian-impiannya sudah lama meninggalkannya tapi tidak pun disedari. Dengan runtuhnya Menara Kembar, Amerika baru sedar tentang kehilangan 'American Dream' itu. Mereka hiba, walaupun satu dari impian itu tercapai (bunga yang memekar), mereka tidak akan faham dengan proses itu.

Imamura-Jepun

Filem ini ditutup dengan filem daripada Shohei Imamura. Filemnya juga agak menyentuh dengan sindirannya tentang kebenaran sifat manusia. Seorang askar dari pos Perang Dunia Kedua telah 'disumpah' menjadi ular. Imamura seakan memberitahu, pos 11/9 menunjukkan manusia tidak patut jadi manusia jika peperangan dan pembunuhan yang diingini dalam membela 11/9. Ia juga menyatakan, perang jihad adalah peperangan mengikut kepentingan satu-satu kumpulan, tidak pernah untuk manusia sebenarnya. Imamura juga menonjolkan, bagaimana peperangan menyebabkan kesusahan dan sial baru pada masyarakat setempat (manusia yang hilang sifat manusianya, manusia jadi penipu, isteri membelakangi suaminya, keriuhan) dan ia bersambung tanpa penghujung. Imamura juga dengan agak berani menguatkan ke'dayus'annya (atau semangat berdiri atas pagar dan berpeluk tubuh) bahawa masyarakat tidak perlu berbuat apa-apa dengan permintaan pos 9/11. Masing-masing mempunyai rumah masing-masing, tidak perlu jaga tepi kain orang. Ini yang menyebabkan, ramai pengkritik Amerka dan Barat amat membenci segmen ini.

11/9/01- Omnimbus Wasiat Untuk Masa Depan

Keseluruhannya, untuk satu duduk, filem ini agak 'streching' untuk ditonton. Bukan kerana ia tidak bagus tetapi keseluruhan 11 filem ini, semuanya bertemakan tema-tema yang berat dan besar, memerlukan konsentrasi yang penuh walaupun dalam 11 minit dan 9 saat. Tidak ada satu pun yang berjiwa kecil. Malah ia sungguh menggerak, ia berjaya menjadi wasiat untuk ditenungi penonton dunia tentang nilai dan pengertian satu-satu peristiwa yang berlaku berjuta batu dari tempatnya. Aku sedari, dalam setiap filem pendek yang ditayangkan, semuanya mempunyai rantaian mesej yang sangat jelas iaitu; pengharapan. Harapan sesuatu yang baik pada masa akan datang dan boleh dicapai oleh manusia, walaupun disekeliling masih dalam kucar kacir. Ini yang menyedihkan kerana Amerika yang patut mencari pengertian ini, masih juga menyerang negara merdeka yang lain semata-mata 11/9. Sangat menyedihkan kerana filem ini tidak berjaya memunggah hati mereka untuk lebih berfikiran empati, seperti yang diingini oleh pengarah-pengarah filem omnibus ini.

Ulasan Filem : Sunshine (1999)

Oleh Mahhass

Meminjam kata-kata seorang penulis, Noor Azam Shairi yang berbunyi : "Sebuah filem tidak harus bergantung kepada catatan sinopsis untuk penonton menangkap maknanya dan berkongsi rasa dengan watak-wataknya", ...maka sebelum menonton filem ini, saya cuba 'menjauhkan diri' dari membaca sinopsis apatah lagi ulasan-ulasan sebelumnya hanya untuk merasai sendiri kekuatan yang dilayarkan serta bagaimana filem ini boleh berdiri dengan sendiri.

Filem ini sudah agak lama dikeluarkan iaitu tahun 1999 di eropah, tahun 2000 ke seluruh dunia. Meskipun sudah memasuki empat tahun ia diedarkan (kurang pasti samada ia pernah memasuki pawagam Malaysia atau tidak), dan juga atas alasan masih banyak lagi filem-filem hebat yang saya rasakan perlu ditonton, maka saya juga tidak mahu ketinggalan menontonnya. Hanya berbekalkan sedikit informasi -- beberapa label "awards-achievement" di kulit DVDnya, saya menjadi teruja untuk menelaah intipatinya.

Sunshine membariskan nama-nama besar seperti Ralph Fiennes (Schindler's List, The English Patient), Rosemary Harris (yang kita kenalnya dalam Spider-Man 2 sebagai Auntie May) Rachel Weisz (The Mummy/Mummy Returns, Runaway Jury) serta Jennifer Ehle (pelakon yang banyak membintangi mini-series). Jika saya sebutkan nama Istvan Szabo, barangkali tidaklah begitu dikenali di sini, kerana beliau yang merupakan penulis merangkap sutradara filem ini, lebih banyak memproduksikan filem-filem eropah sebelum ini (filem terkenalnya ialah Mephisto - yang memenangi Oscar 1981 dalam kategori Best Foreign Language Film). Bagaimanapun itu semua tidak penting sebenarnya. Nama sutradara hebat dan terkenal BUKAN boleh dijadikan kayu pengukur bagi meramalkan kehebatan sesebuah filem itu.

Sunshine menyorot sejarah 3 generasi (dari seorang datuk, ayah hinggalah ke cucunya). Filem ini bermula dari penghujung abad ke-18 sehinggalah ke tahun 1960an. Dan ia menyingkap kronologi sebuah keluarga berketurunan Yahudi. Ya, ia cerita tentang orang yahudi. Sekali lagi, itu bukan persoalan sebenarnya. Kerana yang penting sejauhmana filem ini dapat memaparkan kisahnya dengan cemerlang. Persoalannya, adakah ia cemerlang? Jawapan saya ialah YA.

Istilah Sunshine itu sebenarnya merujuk kepada minuman tonik herbal Sonnenschein, yang juga bersempena dengan nama keluarga Yahudi tersebut yang menetap di Hungary. Tetapi bukan kisah tonik itu yang dilayarkan. Nama itu sekadar metafora ‘kekuatan’ serta maruah keluarga tersebut. Apa yang dilayarkan ialah kisah di antara semangat kecekalan dan putus asa, antara cinta dan kecurangan, perjuangan dan penafian, peradaban dan keagamaan, kejahilan dan kecerdikan, kejujuran dan kejahatan, penindasan dan juga penentangan - yang dihadapi setiap generasi keluarga itu.

Keseluruhan plot filem ini bergerak melalui suara penceritaan Ivan (voice-over narration). Ia memberi fokus dan mengembangkan satu persatu watak-wataknya bermula dengan Ignatz (iaitu datuknya lakonan Ralph Fiennes) –hakim yang digambarkan sebagai seorang yang 'lurus' – sentiasa berpegang kepada ajaran agama Yahudinya serta menjadikan kata-kata bapanya sebagai perangsang dalam apa jua hal yang dilakukan. Bagaimanapun, beliau seringkali dihimpit dengan permasalahan di antara keluarga dan tugasnya. Oleh kerana desakan dari pihak atasan, beliau menukar nama "Sonnenschein" (nama Yahudi) kepada "Sors" yang bunyinya tidaklah terlalu keyahudian.



Seterusnya, Ivan menyorot sejarah bapanya Adam (juga dilakonkan oleh Ralph Fiennes) - seorang jaguh lawan pedang olimpik sewaktu era pemerintahan fascisme Nazi waktu pra-perang dunia ke 2, serta anti-semitisme yang memuncak di eropah ketika itu. Walaupun proses asimilasi Yahudi-Katolik telahpun dilakukan beliau, malangnya identiti asalnya dikenal pasti jua oleh tentera Nazi ketika itu. Beliau diseksa (dan siksaan ini agak menyentuh) sehingga mati dihadapan anaknya, iaitu Ivan sendiri.

Sejurus selepas itu, barulah filem ini memfokuskan kisah Ivan (sekali lagi lakonan Ralph Fiennes), iaitu sesudah berakhirnya perang dunia ke-2, dan sewaktu era komunisme pula muncul. Ivan memilih untuk menyertai pemerintahan komunisme serta melibatkan diri dalam bidang politik.

Seperkara yang menarik tentang filem ini ialah ketiga-tiga watak yang didukung begitu cemerlang, 'electrifying', penuh 'manusia' dan bernyawa oleh Ralph Fiennes. Kisah suka duka, pahit getir, perjalanan hidup tiga generasi yahudi selama hampir 70 tahun, digarap selama 3 jam oleh Szabo dengan baik sekali. Jika dinilai dari sudut humanisme dan dari perspektif demokrasi, filem ini boleh dianggap hebat malah bermutu berikutan dari kekuatan struktur plotnya, lakonan, skrip, serta lakonlayarnya. Buktinya, filem ini telah menggondol anugerah Pelakon Terbaik, Lakonlayar Terbaik dan juga Sinematografi Terbaik serta dinominasikan dalam kategori Filem Terbaik di European Film Festival 1999. Dan hampir kesemua kategori dinominasikan di Genie Awards (National Film Awards Canada).

Saya tidak tahu sejauh mana filem ini berjaya melenyapkan gelombang anti-semitisme dunia. Saya menonton filem ini hanya sekadar apresiasi semata-mata. Memang benar, gambaran sebuah keluarga yahudi yang ditindas sejak turun temurun seolah-olah cuba menafikan segala sentimen kebencian terhadap mereka khususnya dari golongan katolik dan anti-semitisme. Pun begitu, seperti yang saya katakan tadi, humanis yang dilayarkan boleh saja menyentuh kita. Tetapi apabila mengenangkan pendajalan kaum ini terhadap umat Islam di Palestin, agak mudah untuk kita melupakan semuanya - yang digambarkan penuh emosi dalam filem Sunshine ini.

Ulasan Filem : HENRY - Portrait of a Serial Killer (1986)

Oleh Mahhass

Henry : Portrait of a Serial Killer merupakan filem yang diinspirasikan dari kisah benar. Kisah seorang pembunuh bersiri yang bernama Henry Lee Lucas.

Sewaktu penangkapannya, beliau mengaku bahawa mangsanya telahpun melebihi 500 orang bermula sejak umurnya 13 tahun – mangsa pertamanya adalah seorang remaja perempuan berumur 17 tahun. Beliau ditangkap sejurus selepas itu, lalu dikenakan hukuman penjara selama 6 tahun.

Setelah dibebaskan beberapa tahun kemudian, terjadi sedikit pertengkaran dengan ibunya yang mabuk ketika itu, yang mengakibatkan beliau menikam ibunya sampai mati. Lucas dijatuhkan hukuman penjara selama 30 tahun. Bagaimanapun, setelah hampir 10 tahun di penjara, beliau dibebaskan di bawah pemerhatian polis, meskipun waktu itu beliau sendiri ada mengatakan yang belum bersedia untuk dibebaskan, kerana pastinya beliau akan membunuh lagi!

Dan bermula sejak pembebasan inilah, filem ini menyorot kronologi kisah hidup seorang pembunuh (yang didukung cemerlang oleh Michael Rooker) yang pernah menggemparkan seluruh masyarakat Amerika waktu itu. Barangkali, tidak semuanya ditonjolkan kecuali watak-watak sebenar lain seperti watak Ottis dan adik perempuannya, Becky yang tinggal bersamanya.

Mengikut kajian yang dijalankan, hampir setiap pembunuh bersiri yang wujud di amerika (malah di seluruh dunia) berlatarbelakangkan keluarga disfungsi. Tidak terkecualilah juga dengan Henry, yang sejak kecil lagi sering didera, baik dari segi fizikal, mental mahupun seksual. Malah beliau sering dipakaikan pakaian perempuan untuk ke sekolah. Maka kita akan lihat satu titik punca yang agak jelas - segala-galanya berpunca dari keruntuhan moral keluarga mereka sendiri.

Dan dalam filem ini, oleh kerana terlalu ramai mangsa yang dibunuh beliau, sehinggakan sewaktu ditanya Becky tentang bagaimana cara beliau membunuh ibunya – pelbagai jawapan diberikan. Adakalanya beliau menjawab memukul dengan menggunakan kayu baseball, kemudian katanya menikam, tiba-tiba pula lain yang dijawabnya – mencekik sampai mati dan sebagainya. Seolah-olah beliau telah 'lali' membunuh.

Filem ini juga, sewaktu kali pertama dipertontonkan media dan pengkritik, hampir 30 peratus daripada audiennya memilih untuk keluar panggung (menghentikan tontonan) akibat keganasan moral yang melampau yang dipertonjolkan. Bagi saya, walaupun keganasan itu agak terlalu grafik (mungkin kerana saya pernah tonton yang lebih ganas dari ini) maka tidaklah keterlaluan pada hemat saya. Mungkin jika saya menonton pada waktu itu (1986), saya juga akan terloncat dibuatnya!

Segala elemen keganasan yang divisualkan dalam filem ini amat penting, yang berperanan untuk menggerakan plotnya, dan juga bagi menggambarkan sebuah realisme pembunuh bersiri. Lebih-lebih lagi sewaktu adegan pembunuhan kejam sebuah keluarga yang rata-ratanya menganggap terlalu getir, tegang dan "too damn real for most people". Sebelum itu, hanya mayat-mayat mangsa dipaparkan sambil 'situasi pembunuhan itu diperdengarkan kembali untuk penonton membayangkannya' – sememangnya idea yang unik.

Apa yang menarik lagi tentang filem ini lagi ialah emosi yang berjaya ditimbulkan oleh penulis lakon layarnya, Richard Fire serta diberikan tanggungjawab sepenuhnya kepada sutradara John McNaughton, yang pernah mengemudikan filem-filem (selepasnya) seperti Mad Dog and Glory (lakonan Robert DeNiro), dan juga Wild Things.

Khabarnya, tayangan filem ini tergendala sejak 1986 oleh kerana kontroversi "MPAA Rating" - Amerika meletakkan rating "X", namun akhirnya dilepaskan juga ke pasaran 4 tahun selepas itu dan dilabelkan sebagai UNRATED.

Kontroversi yang timbul barangkali kerana filem ini terlalu ganas (yang sebenarnya jujur!), anti-klimaks serta ia tidak berjaya menjustifikasikan dengan baik di antara karakter sebenar Lee Lucas dengan watak yang dipegang oleh Michael Rooker – tambahan lagi dengan tiadanya keadilan sosial serta hukuman terhadap segala dosa yang telah dilakukannya. Apapun, pada saya, filem ini berjaya merealisasikan sebuah gambaran yang hampir sempurna malah realistik kisah seorang pembunuh bersiri yang sungguh digeruni seantaro amerika suatu masa dahulu.

Ulasan Filem : Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Oleh Mahhass

Sebelum saya menulis ulasan ini, saya minta anda membayangkan sejenak. Bayangkan sewaktu anda muda remaja dahulu (atau mungkin kini) – anda sedang hangat dilamun cinta – memadu kasih asmara, sehati sejiwa, bergurau senda, sehidup semati, kadangkala bertengkar, berjauh hati– akhirnya berpisah.... Perpisahan itu memang perit. Lebih perit lagi apabila memori ketika bersama itu tidak mungkin boleh dilupakan atau hilang begitu saja, bukan? Jadi bagaimana jika memori itu akhirnya dapat dilenyapkan melalui satu kaedah psikologi dengan bantuan teknologi? Persoalannya, sanggupkah anda lakukan sedangkan anda masih lagi ‘sayangkan’ memori indah ketika bersama malah masih menaruh perasaan terhadap teman anda itu?

Jadi persoalan ini dikupas dan dilayarkan dalam filem Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Filem ini ber'tagline'kan "Would you erase me?". Ya, tagline itu sangat sesuai sekali dengan plotnya malah ia merupakan filem romantik yang paling unik pernah saya tonton. Walaupun bergenrekan komedi (black comedy), apatah lagi nama Jim Carrey pendukung utamanya (sebagai Joel), namun filem ini penuh dengan jiwa (dan saya amat merasainya). Ia adalah filem lakonan terbaik pernah dibawa Jim Carrey setakat ini. Gandingannya ialah Kate Winslet (sebagai Clementine).

Perjalanan filem ini juga agak unik apabila kita dipertontonkan dahulu selepas segalanya telah berlaku (sepertimana Irreversible, Memento). Joel dan Clementine sudahpun menjalani proses memadamkan memori itu. Ironinya, mereka bertemu sekali lagi di dalam sebuah keretapi seolah-olah (atau memangpun) mereka tidak mengenali antara satu sama lain. Lalu ia menjadi seperti pertemuan awal dahulu, berkenal-kenalan antara satu sama lain. Bukankah saat pertemuan itu indah sekali?

Seterusnya, barulah filem ini mengimbas kembali apa yang berlaku ke atas kedua-duanya (uniknya apabila opening credits setelah hampir 20 minit filem ini berlangsung!). Segala babak-babak romantis digarap kembali melalui memori Joel. Meskipun pada mulanya beliau bersetuju untuk menjalani proses tersebut, namun kontradiksi serta konflik yang berlaku dalam dirinya membuatkan segala proses tidak berjalan dengan begitu sempurna, kadangkala lucu, kadangkala mensayukan juga apatah lagi sewaktu satu-persatu memorinya dipadamkan buat selama-lamanya.

Orang yang bertanggungjawab melayarkan idea unik ini ialah Charlie Kaufman yang juga menulis lakon layar filem-filem seperti Being John Malkovich, Adaptation dan yang terbaru Confessions of a Dangerous Mind. Filem ini disutradarai dengan baik oleh Michel Gondry.

Yang menarik lagi tentang filem ini ialah barisan pelakon pembantunya, seperti Elijah Wood (masih ingat Frodo Baggins?) sebagai Patrick dan Mark Ruffalo (13 going on 30) sebagai Stan. Kedua-duanya bekerja di bawah Dr. Mierzwiak – doktor yang bertanggungjawab menjalankan prosedur tersebut. Kirsten Dunst (Spiderman 2) pula sebagai Mary (mary lagi?) dan walaupun tampil sekadar pembantu, wataknya juga ada memberikan kesan dalam subplot filem ini.



Saya tidak mahu mengupas lebih lanjut tentang filem ini, kerana jika anda boleh membayangkan temanya, saya kira sudah cukup menterujakan anda bagi yang belum menonton. (Ha ha sudahkah anda membayangkannya tadi?). Barangkali di bahagian akhir filem ini agak terlalu 'subtle', tetapi ia bagaikan mencerminkan segala keindahan itu telah muncul kembali. Biarlah saya pendekkan sahaja bebelan saya, dan meletakkan filem ini antara yang terbaik untuk tahun ini.

Ulasan Filem : Black and White (2002)

Oleh Mahhass

Kisah yang disutradarai oleh Craig Lahiff ini menyingkap kembali sejarah 'hitam' kaum kulit putih di Australia terhadap kaum minoriti pribumi Aborigines. Begitu tercemarnya institusi kehakiman, kepolisan serta keangkuhan kaum kulit putih waktu itu. Kisahnya agak berbeza sepertimana filem Rabbit-Proof Fence suatu ketika dahulu, namun temanya tetap sama, iaitu prejudis perkauman dan penindasan terhadap kaum pribumi Australia.

(Klik sini untuk ulasan Rabbit-Proof Fence)

Filem ini diinspirasi dari sebuah kisah benar. Kisah yang (sekali lagi) selepas Rabbit-Proof Fence berjaya memberi 'hentaman' yang cukup hebat terhadap masyarakat kulit putih Australia sendiri khususnya. Ia memaparkan sebuah perbicaraan kecil ke atas Max Stuart, seorang warga kulit hitam Aboriginal (lakonan menyentuh David Ngoombujarra) yang akhirnya mencetuskan kontroversi hangat di seluruh Australia.

Kisah tragis ini berlaku pada Oktober 1958 di sebuah pekan kecil Ceduna, terletak di bahagian barat Australia. Max Stuart dituduh merogol dan membunuh dengan kejam seorang kanak-kanak perempuan (kulit putih) berumur 9 tahun (ketika sedang bermain-main di pesisiran pantai). Beliau ditangkap pada malam kejadian dan seterusnya dipaksa untuk membuat pengakuan ke atas pertuduhan tersebut – walaupun beliau bersungguh-sungguh menafikannya. (Di sini, kita dapat melihat lakonan beliau yang sangat karismatik, menyentuh dan menghibakan). Beliau diugut malah dipukul untuk menandatangani surat konfesi, walaupun pada hakikatnya, beliau sendiri tidak pernah tahu menulis apatah lagi membaca.

Bagaimanapun, kes beliau mendapat perhatian David O'Sullivan, peguambela yang begitu yakin bahawa Max sebenarnya ditindas dan teraniaya. Bagaimanapun, setelah kes pendakwaan tersebut dihujahkan di mahkamah, akhirnya Max Stuart dijatuhi juga hukuman gantung sampai mati.

Tandatangan di atas surat konfesi (pengakuan) dijadikan bahan bukti kukuh bagi kesalahan tersebut (dan sudah tentu institusi kehakiman terang-terangan memihak kepada kerajaan sehingga banyak bukti yang mengatakan surat itu ditandatangani secara paksa, ditolak dan dianggap tidak relevan). Perbicaraan ini begitu mengingatkan saya pada kes perbicaraan Anwar Ibrahim suatu masa dahulu.

Kisah ini bagaimanapun membuka mata banyak pihak apabila seorang paderi yang sering melawati Max, juga menyatakan bahawa kebenaran sebenarnya berpihak kepada Max. (Bukankah ini membuktikan sekali lagi bahawa 'naluri' dan kepercayaan terhadap agama lebih mengatasi segala-galanya? Tidakkah filem ini juga menyimbolkan bahawa kata-kata seorang paderi itu sangat dihormati dan dipercayai?)

Bukan setakat itu sahaja, malah kes ini berjaya menimbulkan konfrontasi besar sebahagian besar masyarakat seluruh Australia, justeru menggugat kredibiliti pihak berkuasa waktu itu melalui provokasi serta sentimen anti-racisme akhbar The News yang membela nasib malang yang menimpa Max.

Sangkaan awal saya filem ini terlalu bermelodrama, nyata sekali meleset kerana struktur naratifnya membuatkan kita melekap dari awal hingga ke akhir filem ini. Filem 'kecil' ini, yang lakon layarnya ditulis cemerlang oleh Louis Nowra ini berjaya memenangi anugerah Lakon layar Terbaik di Film Critics Circle Awards, Australia (sepertimana Philip Noyce memenanginya untuk filem Rabbit-Proof Fence dalam kategori Sutradara Terbaik) serta dinominasikan di beberapa festival filem Australia pada tahun 2003.

Black and White adalah sebuah filem 'mesti tonton'.